“No centro do mundo”, Tesouro

Con su segundo trabajo, No centro do mundo (Hanky Panky Records, 2026), Tesouro da un paso firme hacia la consolidación de un imaginario propio dentro del pop independiente. Lejos de la sorpresa que supuso Aquí conmigo (2022), este nuevo disco se presenta como una obra más consciente, donde la banda afina su equilibrio entre melodía inmediata y sensibilidad artesanal. Guitarras que alternan entre lo cristalino y lo eléctrico, teclados que envuelven sin imponerse y unas voces que priorizan la cercanía emocional configuran un sonido reconocible y maduro, potenciado por la producción de Manu G. Sanz en los Orphan Studios de Punta Balea, que dota al conjunto de claridad y profundidad sin restarle calidez.

El grupo amplía su universo incorporando registros que dialogan con su propia identidad, desde la adaptación de Karmelo Iribarren hasta la presencia de Lois Pereiro o el enigmático “Silencio de Ourense”, reforzando esa idea de comunidad creativa que atraviesa el disco. El título, repetido como un mantra, sugiere una forma particular de habitar el mundo: desde los márgenes, pero con vocación de plenitud. Editado nuevamente por Hanky Panky Records y con el arte de Mario Feal, No centro do mundo confirma a Tesouro como una de esas propuestas que, sin hacer ruido, construyen un refugio sonoro sólido, pensado para perdurar más allá de la inmediatez.

 

 

 

 

“De Aquí e de Acolá”, Ukestra do Medio

Lejos de acomodarse en fórmulas conocidas, Ukestra do Medio encara De Aquí e Acolá (2026), un disco que amplía su mapa sonoro sin perder el carácter festivo y orgánico que define su propuesta. Los adelantos —“Vamos Lá!”, “A Candeloria” o “O demo no corpo” —, venían adelantando esta apertura hacia nuevas geografías musicales incorporando ritmos como la cumbia o la bossa nova, que conviven con su ya reconocible base de pop, swing, folk y ecos de country. El resultado es un cancionero deliberadamente ecléctico, en el que la banda compostelana afianza una identidad flexible, capaz de moverse entre tradiciones y contemporaneidad con una soltura cada vez más afinada.

En lo temático, De Aquí e Acolá se presenta como su obra más luminosa, atravesada por la celebración de la vida cotidiana y la naturaleza, pero también por una melancolía sutil vinculada al desarraigo, las leyendas populares y el desamor, siempre filtrados por una mirada irónica y esperanzada. El propio título funciona como síntesis de esa diversidad, reforzada por una estética visual que convierte el disco en un pasaporte simbólico, donde cada canción actúa como un destino distinto. Grabado en los Estudios Potemkin bajo la dirección de Jacobo Iglesias —con aportaciones puntuales como la de Xurxo Pinheiro—, el álbum confirma a Ukestra do Medio como una propuesta singular dentro del panorama gallego, capaz de convertir la mezcla en lenguaje y el viaje en forma de canción.

 

 

 

 

“La vida Salvaje”, Oso

La vida salvaje (2026), de Oso —el nuevo proyecto de Roberto Espinosa— se presenta como un punto de inflexión en la trayectoria de un músico que, tras más de cuatro décadas de oficio, decide explorar territorios más abiertos sin perder su identidad. Lejos del hard rock que marcó etapas anteriores, este debut se mueve con soltura entre el rock de raíz americana, el soul y el blues, construyendo un sonido accesible pero cargado de intención, donde la melodía y el pulso orgánico siguen siendo protagonistas. Grabado en los Black Betty Studios de Madrid bajo la dirección de José Nortes y con una nómina de músicos de alto nivel, el disco respira oficio y naturalidad en cada uno de sus arreglos.

En lo narrativo, La vida salvaje se articula como una reflexión sobre el paso del tiempo y las contradicciones de la vida contemporánea, planteando preguntas incómodas sobre el concepto de civilización y el precio que pagamos por sostenerla. Hay en sus canciones una mirada nostálgica pero no inmovilista, que conecta distintas etapas vitales desde una perspectiva madura, consciente de los cambios y de lo que permanece. Entre válvulas, texturas cálidas y una narrativa honesta, Oso construye un primer capítulo que no busca reinventar el lenguaje, sino habitarlo con autenticidad.

 

 

 

 

“AtlánticA”, MoOoM, Carlo Juranccelli, Fffffff

En AtlánticA (Ferror Records, 2026), el proyecto MoOoM —impulsado por la artista Ciara Cabodevila— articula un discurso sonoro donde tradición y contemporaneidad se funden con una naturalidad poco habitual. Cantos tradicionales, misticismo y una electrónica de amplio espectro conviven en un trabajo en el que sintetizadores, samples de archivo y una producción precisa y compacta sostienen el pulso simbólico de las ferreñas: panderetas, castañuelas y otras texturas de la oralidad gallega reaparecen aquí resignificadas.

El conjunto deriva en un disco que oscila entre lo ritual y el club, entre la memoria y la transformación, ofreciendo una escucha inmersiva que dialoga tanto con la investigación etnomusicológica como con una sensibilidad contemporánea. AtlánticA se presenta así como una primera entrega sólida y coherente, en la que identidad, migración y espiritualidad encuentran una forma propia a través de un sonido depurado y con vocación de permanencia.

 

 

 

 

“Hipótese”, David Falcón

David Falcón —guitarrista, vocalista y productor de Cambados— propone con Hipotese (2026) un ejercicio de exploración sonora donde la intuición y la técnica conviven en equilibrio. A lo largo de siete cortes, el artista construye un universo de electrónica pulida en el que la experimentación toma forma a través de creaciones espontáneas, combinando modular, sintetizadores y guitarra en un diálogo constante. El resultado es un trabajo que se mueve entre la precisión de la producción y la libertad del proceso, abriendo espacios donde el sonido se transforma sin perder cohesión, y donde cada pieza funciona como una pequeña hipótesis en evolución.

 

 

 

 

“Archivo Filomena”, Arantxa Pérez

Archivo Filomena (2026), Arantxa Pérez se sitúa en un lugar de exposición consciente, articulando un EP de seis canciones que funcionan como un ejercicio de memoria emocional y afirmación artística. Desde un pop suave y envolvente, Arantxa Pérez revisita sus inicios en la producción para construir un relato íntimo donde cada arreglo, cada textura y cada decisión sonora responden a una necesidad expresiva más que estética. Su voz, delicada y cercana, guía un cancionero que se mueve entre la nostalgia y la claridad emocional, dejando espacio a silencios, escenas cotidianas y confesiones que nacen desde lo más personal pero encuentran fácil reflejo en quien escucha.

 

 

 

 

“IBERICANA”, Treintañeras Cañeras

Con Ibericana (2026), Treintañeras Cañeras regresan al formato largo tras Música para el programa de Bertín Osborne (2022), reforzando una identidad que ya apuntaba maneras y que aquí se despliega con mayor contundencia y claridad. Este segundo LP, compuesto por nueve cortes, mantiene la esencia combativa del grupo pero la canaliza hacia un sonido más sólido, donde las baterías golpean con intención, los ritmos avanzan sin concesiones y todo parece sostenido por una energía colectiva que prioriza lo directo frente a lo ornamental. Grabado, mezclado y masterizado por Pancho Suárez en Estudio Planta Sónica, el disco encuentra en esa crudeza controlada uno de sus principales aciertos.

Las letras de Ibericana se presentan como un retrato incómodo de la sociedad actual, articulado desde la ironía, la frustración y una mirada crítica que no busca suavizar el discurso. Producido junto a Paco Serén y con un imaginario visual acorde a su carácter, el disco reafirma a Treintañeras Cañeras como una propuesta que entiende la música no solo como expresión, sino también como posicionamiento.

 

 

 

 

“Romántico Cabrón III: Sálvese quién pueda”, Ben Richards Jr

En Romántico cabrón III: Sálvese quien pueda (2026), Ben Richards Jr —figura anónima desde Ourense— firma una entrega musical anual que vuelve a ahondar en su mirada más incómoda y descarnada. A lo largo de quince temas, el artista construye un discurso atravesado por la rabia y el rencor, en el que la crítica social y las relaciones en decadencia ocupan el centro del relato. Con un rap contundente y letras que disparan a quemarropa contra las injusticias, las traiciones y el desgaste vital, el disco se presenta como un ajuste de cuentas sin concesiones, fiel a una identidad que entiende la música como canal directo de expresión y confrontación.

 

 

 

 

“Live in Béjar”, Acid Roots

La carta de presentación de Acid Roots llega en crudo y sin rodeos. Live in Béjar (2026), su primer EP, recoge cinco temas en formato Live Sessions que funcionan como una muestra directa de su sonido en directo. La banda compostelana, situada entre el indie rock, el soul y el blues, construye un universo sonoro compacto y orgánico, en el que las letras en inglés, los solos de guitarra y una interpretación llena de matices hacen que cada tema crezca con intensidad hasta estallar en el momento justo.

Este trabajo sirve así como una primera fotografía del proyecto y como antesala de su siguiente lanzamiento, que llegará muy pronto también en formato de estudio. Un inicio que deja claro que lo de Acid Roots pasa por capturar la energía del directo y llevarla, sin perder fuerza, a cada una de sus canciones.

 

 

 

 

“Menos mal”, Montedapena

Montedapena continúa afinando un discurso propio en el que la retranca generacional y la energía del pop funcionan como ejes vertebradores. Menos mal (Ernie Records, 2026), compuesto por cinco cortes y enriquecido con las colaboraciones de Platerías, Ash Diz y Jagoba, nace entre los estudios Ozen Estudios y Planta Sónica, sumando matices de producción a una propuesta que se mueve con soltura entre el punk-pop más urgente y el pop alternativo de vocación inmediata. En este nuevo capítulo, Héctor Rodríguez articula una narrativa que observa —con distancia crítica y cierta sonrisa torcida— las inercias de la vida adulta, convirtiendo errores, renuncias y desvíos vitales en un relato compartido que, más que cerrarse en conclusiones, se abre a ser cantado, bailado y reinterpretado en colectivo.

 

 

 

 

“Segredo”, Guilherme Zapata

Guilherme Zapata debuta en solitario con Segredo (2026), un disco que traza un mapa emocional en el que la memoria y el paisaje se entrelazan con una naturalidad casi orgánica. El músico vigués, tras su etapa en Bifannah, construye aquí un álbum de recuerdos que bebe de la morriña y de una nostalgia luminosa vinculada a la Ría de Vigo, presente como eco constante a lo largo de las canciones. Producido entre Galicia y Madrid, el disco se mueve con soltura bajo el paraguas del groove, combinando neo-soul, pop elegante y pulsiones tropicalistas en una propuesta que huye de las etiquetas cerradas. Con letras íntimas, mayoritariamente en gallego, y una arquitectura sonora rica en matices —reforzada por colaboraciones que amplían su espectro—, Zapata firma un trabajo que convierte lo personal en universal, desplegando una identidad propia que encuentra en la calma, en el ritmo y en la evocación su principal fuerza expresiva.

 

 

 

 

“Cantares Del Polvo Y La Tierra”, Néstor Pardo 

En Cantares de polvo y la tierra (WIC Records, 2026), Néstor Pardo reduce su música a lo imprescindible para dar forma a un cancionero íntimo que encuentra en la sencillez su mayor virtud. Grabado en casa, con un micrófono y un magnetófono, el disco—once piezas acústicas nacidas y registradas casi al mismo tiempo—propone una escucha reposada, ajena al ruido, donde cada canción funciona como un pequeño documento emocional. Entre la tradición y una sensibilidad contemporánea cercana al folk lo-fi, Pardo articula un sonido crudo y minimalista que se apoya en la imperfección, el aire y la textura, dejando espacio al silencio y a la emoción directa. Solo voz y guitarra, sin artificios, en un ejercicio de honestidad que convierte lo doméstico en refugio y la canción en un lugar al que volver. 

 

 

 

 

“La senda del corazón”, Tutti

TUTTI —alter ego del músico fozán Jesús Rodríguez— propone un refugio sonoro en el que la calma y la emoción se entrelazan con una sensibilidad poco habitual. Partiendo de un lenguaje basado en la fusión, La senda del corazón (2026) transita con naturalidad entre el jazz, el soul, el funk o la música clásica, construyendo un paisaje íntimo y envolvente que invita a la escucha pausada. Esta creación funciona como puerta de entrada a un universo creativo: piezas delicadas, pulsiones serenas, que transmiten paz y cierta idea de esperanza necesaria en los tiempos actuales. Con un enfoque ecléctico y abierto, La senda del corazón reafirma la trayectoria de un creador versátil, centrado en la composición y en la búsqueda de un discurso propio, donde la emoción se impone sin artificios.

 

 

 

“Hope”, Lucía Martínez & The Fearless

Lucía Martínez & The Fearless ahondan en un territorio sonoro donde la libertad creativa se convierte en eje central y discurso propio con su segundo trabajo discográfico, Hope (2026). Liderado por la baterista y compositora gallega, el proyecto se presenta como una propuesta intensa y abierta, en la que ritmo, improvisación y forma dialogan sin restricciones, explorando nuevos lenguajes del jazz contemporáneo europeo. Hay en Hope una apuesta decidida por la energía colectiva y por el riesgo creativo, con una música directa y sin concesiones que se construye desde una identidad sonora propia y reconocible. A través de una instrumentación rica y versátil, el disco se despliega como un espacio de tensión y belleza, confirmando la solidez artística de una formación que encuentra en la exploración constante su principal motor expresivo.

 

 

 

 

“Mundo Nuevo”, Dani Costas

Mundo Nuevo (2026) supone un giro en la trayectoria de Dani Costas. Su tercer trabajo de larga duración—tras Todo o nada (2016) y Pequeño infinito (2018)—se presenta como un ejercicio de transición consciente, donde la nostalgia y el paso del tiempo conviven con la necesidad urgente de comenzar de nuevo. A lo largo de sus ocho temas, Costas articula un discurso emocional que mira hacia atrás sin quedarse, abrazando la ruptura de lo conocido como motor creativo.

Musicalmente, el álbum se sostiene sobre ritmos contundentes y una energía directa que refuerza ese ímpetu de transformación. Mundo Nuevo marca así un punto de inflexión que confirma la madurez de Dani Costas y proyecta una etapa pensada para crecer en el directo, allí donde las canciones terminan de tomar forma.

 

 

 

 

“Rapants Club”, The Rapants

Con Rapants Club, los rapantes inauguran una nueva etapa artística en la que la banda de Muros decide bajar una marcha para explorar territorios más pausados e íntimos sin renunciar a su identidad. Grabado en los estudios Boa Vista (Madrid) y en La Mina (Granada) —donde también tomó forma su anterior La Máquina del Buen Rollo (2024)— y producido por Anxo Ferreira, Raúl Pérez y Miguel León, el disco presenta un sonido compacto y pulido que abre la puerta a una faceta más experimental, en la que conviven pulsos disco, texturas electrónicas y ecos latinos. A lo largo de los doce cortes, con las voces de Xanma y Samuel repartiendo protagonismo, el álbum bascula entre letras luminosas como "Tranquila" y otras teñidas de cierta nostalgia amorosa, caso de "Todo era veneno", manteniendo siempre ese vínculo con las raíces muradanas que definen al grupo. Con las colaboraciones de Joe Crepúsculo —estrenándose en gallego en "Non sei como"—, Antía Caamaño y Sara Faro, Rapants Club funciona también como un homenaje a la conexión creada con su público en estos primeros años: un disco que mira a la nostalgia y al sentimiento compartido mientras confirma que los "jallos do mar" son capaces de expandir su sonido sin perder su esencia canalla y bailable.

 

 

 

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