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ARTISTAS DE LA SEMANA 2020. VOL. I

Artistas de la Semana 2020. Vol. I
28 DECEMBER 2020

Aunque 2020 es un año para olvidar, nosotros queremos recordar algo —más bien alguien— por lo que este año ha merecido la pena. Hoy, último lunes de 2020, empezamos a repasar los Artistas y Grupos de la Semana que han pasado por nuestra cabecera, agradecemos que hayan compartido su tiempo con nosotros, no solo a través de los acordes de sus composiciones, sino también a través de las teclas del ordenador contestando a todas, y cada una, de nuestras preguntas. 

¡Por aquí los 24 artistas y grupos del primer semestre de 2020!

 

 

Ataque Escampe

Lunes, 13 de enero

FORMACIÓN RENOVADA Y NUEVO TRABAJO TITULADO "A ALMA"

Habéis vuelto enfundados, incluso escondidos, en unos trajes de spandex, qeu se entremezclan con la «versión pequeña» de los Ataque Escampe en los 90 en el videoclip de ‘O que pode un corpo’. ¿Es esta elección de vestuario un guiño a alguna de las tres almas que existen para Platón, según Arístides Quintiliano al que «citáis»? ¿O quizás al cuerpo, que «ese poco dura»?

Samuel Solleiro: «Muy acertadas las comillas de “citáis”, porque efectivamente, aunque Arístides Quintiliano existió y escribió sobre Platón y sobre música, la cita es inventada. No obstante, en las fotos y en el vídeo no llevamos spandex de ese, sino trajes de croma, esos que originalmente son verdes. Creo, no sé si solo lo creo yo, que el título A alma debe remitir necesariamente al cuerpo y que de hecho es más un disco sobre cuerpos que sobre almas (de hecho la palabra “cuerpo” se repite en las tres canciones). Tanto es así que uno de nosotros, mientras hacía posturas para la primera parte del videoclip, resbaló con el croma y se partió un brazo, así de frágil es el cuerpo».

 

 

 

 

Los Marcianos

Lunes, 27 de enero

UNA MISIÓN MUSICAL DE POP GUITARRERO Y LÍRICA INGENIOSA

 

Por más que nos fijamos... no conseguimos ver vuestras antenas, así que, contadnos, ¿qué hay detrás de la elección de vuestro curioso nombre?

Los Marcianos: «Tiene un poco que ver conque en aquella época nos juntábamos unos amigos en una tienda de informática los viernes por la noche y hacíamos un taller de improvisación, hacíamos canciones en el momento sobre temáticas diversas y muchas hablaban de marcianos, de naves espaciales y similares, y a aquello lo bautizamos como “sesiones marcianas”; cuando quisimos hacer de aquellas canciones una banda, pues ya vimos bastante claro el nombre».

 

 

 

 

APHONNIC

Lunes, 3 de febrero

VICTORIA Y GLORIA CORONAN LA TRAYECTORIA DE LA BANDA VIGUESA

Para vuestros tres últimos trabajos discográfico, contasteis con sendas campañas de crowdfunding, unas campañas que siempre habéis superado con éxito y, así, Héroes (2013) Indomables (2016) y La Reina (2020) son proyectos impecables, no solo a nivel musical, sino también a nivel diseño, formato y merchandising. ¿Creéis que os arriesgáis tal y como está la escena discográfico hoy en día con tantos productos y cuando la gente consume menos música en formato físico?

APHONNIC: «Nosotros tenemos la gran suerte de contar con varios cientos de fans que creen en nosotros, en este último crowdfunding conseguimos 18.000€. Esto es algo maravilloso, saber que la gente espera nueva música tuya es algo que no se puede explicar con palabras. Creo que este nuevo disco está gustando y que la gente que apostó por esto siente que su dinero fue bien invertido. En la vida tienes que arriesgar, perder y caer muchas veces si quieres lograr algo».

 

 

 

 

Willie & Winnie

Lunes, 10 de febrero

«TUVIMOS QUE CAMBIAR PARA PODER SEGUIR SIENDO NOSOTROS MISMOS»

En agosto de 1969, Janis Joplin presentaba su “Kozmic Blues” en el Woodstock (Nueva York); 46 años más tarde, salía a la luz vuestro álbum debut, Premonition (2015). Cerrad los ojos y rebobinad, imaginaos encima del escenario del Woodstock, ¿qué canción de vuestra discografía interpretaríais delante de esas 400.000 personas que asistieron al festival?

W&W: «Pues, probablemente, cualquiera de nuestros discos como Kozmic Blues. Nada de este. Pues este disco es el reflejo de dos personas de 2020, de este contexto y aunque nos atrae la idea de atemporalidad, creemos que este disco muestra el presente o al menos nuestro distorsionado presente [risas]».

 

 

 

 

 

Grilo

Lunes, 17 de febrero

ROCK COMPOSTELANO CON EL GALLEGO POR BANDERA

 

Sonáis con fuerza y bravura en vuestra lengua madre, vuestra «seña de identidad»; actualmente, ¿cómo está siendo la acogida de vuestro proyecto íntegramente en gallego? Además de porque es, efectivamente, vuestra lengua madre, ¿existe alguna otra razón por la que os decidisteis a crear en gallego?

Grilo: «Pues como ya dijimos, la acogida está siendo muy buena. En lo referente a la lengua, lo habitual en un país normal con una lengua normal, sería que las diferentes propuestas musicales fueran en su mayoría en la lengua propia. Por suerte, cada vez hay más música en gallego y su acogida es muy buena entre el público, algo que consideramos muy positivo para la normalización de la lengua.

Aun así, por encima de todo creemos que lo mejor para componer es hacerlo en la lengua en la que piensas, en la que desarrollas tu vida diaria, también somos conscientes de que cantar en gallego en Galicia aun significa algo más, una reivindicación de lo propio frente los ataques que recibe continuamente».

 

 

 

 

Son Trío

Lunes, 24 de febrero

«LA MÚSICA, COMO LENGUAJE UNIVERSAL, HACE QUE SEA UN VEHÍCULO FABULOSO PARA TRANSMITIR NUESTRA CULTURA»

Una rusa de corazón gallego y dos gallegas novias de su tierra, las tres con estudios profesionales de música. ¿Cómo surgió el proyecto de musicar a poetas gallegos?

Katerina Linke: «En realidad surgió como respuesta a un concurso de canciones con la letra de Rosalía [de Castro]. Gané el concurso y continué componiendo, así nació la idea de Son Trío; por eso todas las iniciativas de instituciones y organismos culturales de apoyo a los artistas son bienvenidas. De ahí nacen cosas bellas y emblemáticas como fue el caso de “Negra Sombra” también».

 

 

 

 

Cia Campillo

Lunes, 2 de marzo

«EN ESTE MOMENTO ME SIENTO MÁS ATREVIDA, MÁS SEGURA Y CON LAS IDEAS MÁS CLARAS»

 

Tras ser vocalista en una banda de versiones, emprendes tu carrera en solitario en la que, leemos, «escribes canciones, las cantas, las tocas y las bailas». ¿Qué te motivó a tomar esta decisión? ¿Existen diferencias entre una Cia y otra?

Cia Campillo: «Como bien dices, mi camino comenzó en una banda de versiones pero, aunque cantar canciones de otros me gustaba y me sigue gustando, ¡yo quería cantar las mías! Dar salida a historias y vivencias que tenía dentro de mí y había transformado en canciones. Sigo siendo la misma en esencia, solo que he evolucionado encontrando un camino en el que realmente me siento bien».

 

 

 

 

Pauliña

Lunes, 9 de marzo

«EL GALLEGO ESTÁ REVIVIENDO DE UNA MANERA HERMOSA, PUESTO QUE COMENZAMOS A TENER NUEVOS REGISTROS MUSICALES QUE ROMPEN FRONTERAS»

Eres una de las voces femeninas con más carácter y personalidad y, desde los inicios, cantas en gallego ¡confirmando que nuestra lengua está tomando los escenarios! Con el idioma por bandera, ¿cómo describirías el panorama musical actual en Galicia? ¿Y, como mujer en la música?

Pauliña:«Yo creo que está reviviendo de una forma muy bonita, ya que comenzamos a tener nuevos registros musicales que rompen fronteras, toques que nunca dejan atrás nuestra tradición pero que se combinan a la perfección con lo que cada artista quiere expresar. Tenemos a Baiuca, que para mí es un referente, un chico transgresor, a Ortiga haciéndonos bailar de una forma muy natural, las Tanxugueiras que llevan esas panderetas más allá, A banda da Loba con su Fábrica de Luz o incluso a High Paw plantándole cara al reggae.

Como mujer fui siempre muy echada para delante, de este modo me abrí camino con el apoyo de grandes personas que me rodean, aun así los carteles de los festivales deberían apoyar más la igualdad y contar con más mujeres encima de los escenarios».

 

 

 

 

Margarida Mariño

Lunes, 16 de marzo

«CON ESTE DISCO QUERÍA DEMOSTRAR QUE EL VIOLONCELLO ES UN INSTRUMENTO SÚPER RICO EN MATICES»

 

En la actualidad, existe un movimiento de música instrumental de notable éxito, con músicos de formación clásica que la combinan en mayor o menor medida con elementos de la música electrónica, del pop o del jazz. Hablamos de Hildur Guð nadóttir, Anne Müller o Julia Kent, por nombrar algunas compañeras chelistas, o Nils Frahm, Olafur Arnalds, A Winged Victory fuere the Sullen, Max Ritcher… ¿Cómo ves esa especie de renacer de la instrumentación y de las formas clásicas (nada más de moda que el contrapunto) bajo nuevas fórmulas?

Margarita Mariño: «Como no podría ser de otro modo, lo veo natural. Los instrumentos en sí mismos no deberían estar encorsetados al contexto histórico de cuando fueron creados, pienso que con cualquier instrumento incluso mucho mas ancestral que el cello se pueden hacer cosas interesantísimas y con el mestizaje cultural y el bagaje técnico que tenemos hoy en día».

 

 

 

 

MJ Pérez

Lunes, 23 de marzo

«EN ‘A LUZ PRENDIDA’ FUI TEJIENDO POCO A POCO UNA SERIE DE HILOS PARA AQUELLOS QUE ESCUCHAN EL DISCO CON TODOS LOS SENTIDOS PUESTOS EN ÉL»

 

Desde los inicios cantas en gallego, pero también en portugués, en “Vai Embora!” haces gala de una impecable acento luso, incluso bajaste a la ciudad de Oporto a grabar el videoclip de “Cando te canses”. Curiosidad, ¿qué te une al país vecino? ¿Cómo afecta este arraigo a la lusofonía en tu música?

MJ Pérez: «Lo que me une a Portugal es que soy 50% portuguesa. Mi madre y mi familia materna son portuguesas. Esto influye en mí no solo en detalles como poder componer “Veai Embora!” sino también en el amor por el fado que arrastro desde la adolescencia, el amor por el folclore portugués y en general a la música y cultura lusas. Para mí componer en portugués era una meta personal, una espina que tenía clavada y espero que vengan muchos más temas en portugués».

 

 

 

Marem Ladson

Lunes, 30 de marzo

«TENEMOS QUE REIVINDICAR NUESTRO PAPEL, NO SOLO COMO CANTANTES, SINO COMO MÚSICAS, COMPOSITORAS, PRODUCTORAS»

 

Te presentas como una de las promesas más firmes del panorama musical; actualmente y desde tu perspectiva, ¿cómo vives ser mujer dentro de la escena alternativa nacional?

Marem Ladson: «Desde mi posición y mi experiencia como mujer joven mestiza sentí muchas veces que tengo que demostrar el doble mi valía. Se da por hecho que las mujeres en la música solo somos imagen, que nos escriben otros las canciones, que no lideramos nuestros propios proyectos, y no es así. Tenemos que reivindicar nuestro papel, no solo como cantantes, sino también como músicas, compositoras, productoras. Me pasó muchas veces que los técnicos de sonido se dirigen a los miembros de mi banda en lugar de [dirigirse] a mí para hablar de cualquier cuestión técnica, porque piensan que no voy a saber. Que se sorprendan al escucharme tocar la guitarra, porque tienen interiorizada la idea de que las mujeres no sabemos tocar. Que me ‘ayuden’ a pedir monitores o a subir el volumen del ampli porque piensan que no sé cómo se hace, porque tienen interiorizada esa actitud paternalista. Es una cuestión que subyace en el fondo, una cuestión estructural. Y quien no sea capaz de verlo, es que no quiere quitarse la venda de los ojos. Hay mucho machismo y está tan interiorizado que la gente ni se da cuenta de que estas cosas están mal, y que es una cuestión de género. También me ha pasado que no me inviten a una reunión porque van a discutir términos contractuales, y yo como mujer artista, suponen que mi lugar está en cantar y componer únicamente, como si los negocios no fueran parte de mi profesión, y curiosamente, solo se sientan hombres en la mesa de negocios. Porque sigue existiendo esa idea en la industria de que las mujeres somos frágiles, vulnerables; por eso me parece tan importante reivindicar nuestro papel también como mujeres de negocios. También se pone demasiado énfasis en nuestra imagen, si somos demasiado delgadas, o demasiado gordas, en nuestra forma de comunicarnos, si expresamos nuestras ideas con una rotundidad que resulta imponente, o si mostramos nuestra vulnerabilidad y parecemos frágiles. También la cuestión de la desigualdad de género es una cuestión de raza, y de clase, por supuesto. Las revistas de moda o lifestyle siguen promoviendo una imagen predominantemente occidental, un canon único de belleza, con ciertas excepciones, pero de nuevo, cara la galería. Me han llegado a pedir que me quite las trenzas o que me alise el pelo, que no me ponga uñas de gel, todo para conseguir una imagen dentro de los cánones de belleza occidentales. Lo más curioso, es el doble rasero cuando una artista blanca se ponen aros grandes, trenzas, uñas de gel, labios perfilados e incluso un durag, apropiándose por completo de la estética afro, y se considera cool. Siento que las cosas están cambiando externamente, que se está intentando cubrir una cuota morada, que solo ayuda a la apariencia, pero seguimos sin abordar las cuestiones de fondo, porque son demasiado incómodas. La industria de la música está dominada por hombres, desde las discográficas, las editoriales, las distribuidoras, las plataformas digitales, los promotores de las salas y festivales, los técnicos de sonido, los roadies, etc. Las mujeres estamos luchando muy duro por hacernos un hueco».

 

 

 

 

 

RUXE RUXE

Lunes, 6 de abril

«HACER Y ARMAR ESTE DISCO FUE UNO DE LOS PLACERES MÁS GRANDES EN LA HISTORIA DEL GRUPO»

Con más de 20 años de lucha arriba de las tablas, tocasteis en incontables festivales, hicisteis giras ininterrumpidas recorriendo los mejores escenarios, incluso al otro lado de nuestras fronteras, siempre con muy buena acogida por parte de la audiencia y de la crítica. ¿Notáis algún tipo de relieve generacional en el público de vuestros directos?

Xan: «Sí que lo notamos, y mucho. Queda gente de la vieja tropa que aún nos vienen a ver de vez en cuando, pero plantamos una semilla que ahora crece en gente más joven que conecta con el grupo y respeta nuestro trabajo».
Vituco: «Nosotros hacemos música y la música no entiende de edades, si tal de gustos. Disfrutamos muchísimo cuando vemos la gente muy joven escuchándonos y también cuando vemos la gente mayor escuchándonos. Es una conexión humana y de intercambio de energías que necesitamos sin importarnos nada más. ¿Recordáis aquello de ‘los Clash le gustan a mi abuela’ para desacreditarlos como banda punk? Pues eso, ojalá le gustemos nosotros también y mucho».

 

 

 

 

Fernando Barroso

Lunes, 13 de abril

«SOMOS JUGLARES, ESTAMOS DESTINADOS A CORRER LA SUERTE DE AQUELLOS MISMOS PERSONAJES HISTÓRICOS»

Músico, compositor y productor, eres multiinstrumentista en cuerda pulsada, con instrumentos como el bouzouki, la mandolina o el bajo, aunque has experimentado con cavaquinhos y violas portuguesas. ¿Qué premisa sigue Fernando Barroso al escoger un instrumento en concreto a la hora de componer? ¿Influye el instrumento a la hora de transmitir tu mensaje, musicalmente hablando?

Fernando Barroso: «Sí, un instrumento nuevo abre las puertas a la hora de componer debido a los diferentes registros de afinación o tesitura. Naturalmente suenan cosas nuevas y diferentes cuando coges un instrumento desconocido, y eso nos abre la cabeza. Lo más fácil para mí es coger una mandolina y crear una línea melódica o armónica; luego cojo una guitarra o me siento en el teclado para ir creando estructura y armonía. En el caso de Xograr, hice los arreglos para el cuarteto y fue un ejercicio interesante en el que vas conociendo la música desde el punto de vista de otros instrumentos. Actualmente estoy experimentando con el laúd árabe, lo cual es una puerta hacia otra dimensión en términos de lenguaje musical para mí».

 

 

 

 

Eladio y los Seres Queridos

Lunes, 20 de abril

«QUERÍAMOS QUE ESTE ÁLBUM FUESE LARGO Y VARIADO, CANTAR CADA CANCIÓN EN SU MOMENTO»

 

En Están Ustedes Unidos (Esmerarte, 2011), escuchamos una colección de canciones como “Miss Europa”, “Él Tiempo Futuro” o “Con el Corazón en la Mano” convertidos ya en himnos. Casi una década después de su lanzamiento, echando la vista atrás, ¿cómo afectó este boom discográfico a vuestra carrera? ¿Cómo sentís estos «himnos» ahora, sobre todo nos directos?

Eladio Santos: «Fue un disco importante, nos abrió muchas puertas y cambió nuestra mentalidad. Disfrutamos, crecimos y también cometimos errores de los que aprendimos mucho. Aun hoy están en ese disco nuestras canciones más conocidas y siempre son valor seguro en los conciertos. De hecho, uno de los anhelos de Academia es superarlo y revisarlo, dar pie a un muevo tiempo y nuevas canciones que perduren».

 

 

 

 

 

Xabier Díaz

Lunes, 27 de abril

«LA PROPIA EXISTENCIA DE "AS CATEDRAIS SILENCIADAS" ES UNA LLAMADA DE ATENCIÓN SOBRE LA GALICIA VACÍA»

Tu nuevo trabajo discográfico, As Catedrais Silenciadas (2020), es un grito de alerta ante lo progresiva despoblación rural y la pérdida de identidad que esto implica: la desaparición de la cultura que fundamenta nuestra diferencia en el mundo. ¿Cómo fue el proceso de «darle voz» la esas catedrales? ¿Cómo pasan las notas del trabajo de campo a notas y acordes de canciones para ver y escuchar?

 

Xabier Díaz: «Cualquiera de los discos que yo hice, fundamentados en trabajos de campo, se podría llamar As Catedrais Silenciadas. Si cuando estuve recopilando información en las aldeas, el grado de despoblación fuese el que tenemos ahora, tendría muchas menos oportunidades de reconstruir todas las canciones y todos los materiales. Así que el proceso de darle voz es muy sencillo: simplemente con hacerme eco de muchas de las melodías que yo aprendí en esas catedrales está respuesta.

Para mí hacer música tradicional es una especie de estado anímico. Me resulta fácil ponerme en situación porque viví muy intensamente aquellas circunstancias».

 

 

 

 

Artabe

Lunes, 4 de mayo

«‘OMBRA’ ES MI DISCO MÁS PERSONAL, CON TEXTOS MÁS EXPLÍCITOS Y PAISAJES MUY AUTOBIOGRÁFICOS»

‘No era pez pero ahora sé nadar’, ‘Nuruddín’, ‘Viento Cristal Blanco’, ‘Tu Huerto y Mi Canción’, ‘Kiwani’ son algunas canciones de tu repertorio; descubrimos que kiwani es una fruta, Nuruddín es una localidad de Punjab (India)… ¿Cómo llegas a estos títulos tan curiosos a veces no relacionados aparente o expresamente con las letras?

Artabe: «En realidad tienen una relación total; los propios títulos que mencionas representan, en una o pocas palabras, lo que desarrollo en los textos. ¡Curiosamente no tenía ni idea de que kiwani es una fruta y Nuruddín un pueblo de la India! Ambas están basadas en experiencias personales; Kiwani era el nombre de una casa al pie del Camino de Compostela en Ourense en la que vivía Libre, un hombre que practicaba el arte de lavar los pies, un arte milenario muy extensa en el Camino. Allí hicimos un encuentro un grupo de personas con el objetivo de compartir, experimentar y proponer caminos alternativos al sistema imperante. La canción relata las sensaciones que viví y está dedicada la esa casa y toda la gente que conocí.

En el caso de Nuruddín, me interesé un tiempo en la filosofía sufí y acudí a un encuentro místico; allí conocí este nombre, Nuruddín. Literalmente de la lengua árabe, quiere decir, ‘la luz de la fe’, ‘la fe en un mismo’. Esta canción es influencia de los mantras indios y de la canción-medicina de los chamanes; ambas le cantan, bien la una deidad, bien la un animal o elemento de la naturaleza, para conectarse con sus cualidades y, así, despertar las propias. Yo traté de hacer lo mismo a través del título que se repite en la muletilla y en el propio texto: ‘creo en mí y en el aire cuando entra’».

 

 

 

 

Xosé Lois Romero e Aliboria

Lunes, 11 de mayo

PERCUSIÓN TRADICIONAL COMO PROPUESTA DE VANGUARDIA ÚNICA Y ORIGINAL

Hablando de objetos, ¿qué significado tiene la llave que aparece en las portadas de ambos discos?

Xosé Lois Romero: «La llave condensa varios conceptos que nos gustan. Por una parte, con ella se toca la sartén, dos utensilios cotidianos que la creatividad popular convirtió en instrumento musical al juntarlos. Es un símbolo universal de apertura, de clave, de liberar algo cerrado. Además ocurrió que, en pleno proceso de nuestro primer disco, encontré por la calle una llave muy curiosa de ese tipo y me pareció una señal. Por último, la incorporación de la «A» hace referencia a Aliboria, pero también a la alegría, algo muy presente en el grupo, y es un juego con el tema ‘La llave de la alegría’ de Eliseo Parra.

Además de músico, soy diseñador gráfico y la imagen de la llave tiene una fuerza visual indiscutible; pienso que nos va a acompañar siempre».

 

 

 

 

 

Chisme

Lunes, 18 de mayo

«LA MÚSICA TIENE ESPECIALES DOTES PARA HABLAR DE LA VERDAD, LLENA LOS ESPACIOS SIN JUICIOS»

 

Los Hermanos Grimm, San Pablo, Maquiavelo, Two Men de Dobson o Boy With Drawing de Caroto son obras que escogiste, para después distorsionar, como portadas de algunos singles incluidos en Todo Es Ficción. ¿Fueron estos personajes y obras fuente de inspiración para los temas?

Chisme: «Bien, cuando estoy escribiendo tengo en la mesa mogollón de cosas, muchas son inconfesables, ridículas, abstractas, ilegales... de todo. Pienso que todo ese material acaba contenido literalmente en la música, por lo menos yo puedo escucharlo. En este caso había muchos cuadros, sí; al principio parecían aleatoriedades, pero al final, cuando hice inventario, la visión de la posverdad de Maquiavelo, la fraudulenta empresa de San Pablo o ese Boy With Drawing que es la primera manifestación artística en la que aparece el dibujo de un niño —un niño psicológicamente enfermo, además—me ayudaron mucho para encontrar el orden y la línea del máster final del disco».

 

 

 

 

MR. RIVER

Lunes, 25 de mayo

JAZZ FUSIÓN A ORILLAS DEL LÉREZ

En Mr. River escuchamos ‘Octopussy in the Galician Style’, una pieza que parece rock a ritmo de pandeirada. ¿Cómo surgió esa idea de combinar rock y ritmos de música tradicional?

Miguel: «La clave de esta idea está en cómo traducían en un restaurante de Mallorca ‘pulpo a la gallega’ por ‘Octopussy in the Galician style’ esa mezcla de nuestro pulpito escrito en plan yanqui me hizo tanta gracia que me llevó a componer este tema mezclando la música tradicional gallega con el rock».

 

 

 

 

Wanna Dee

Lunes, 1 de junio

«UN DISCO PARA MÍ ES COMO LA VIDA MISMA, UNA ÉPOCA, UNAS VIVENCIAS; TIENE QUE SURGIR»

Desde los inicios, tus singles vienen acompañados de unos videoclips que destacan por su impecable fotografía y cuidada producción. ¿Cómo es el proceso de traducir las letras y la música a imágenes en movimiento? ¿Tienes algún referente cinematográfico o videográfico en el que basarte a la hora de idear los clips?

Wanna Dee: «Me alegro y agradezco de que lo veáis así. Realmente, los únicos que tienen formación académica en este ámbito son los filmmakers con los que trabajo; el resto son mis inquietudes, a veces con ayuda de los míos. Procuro consumir muchos videoclips y tomar referencias, también veo muchos documentales de todo tipo, series y películas como cualquiera… la diferencia es que tengo que sacarle provecho, fijarme en los colores, en los estilismos, etc.

Como no tengo formación en este ámbito, la suplo poniéndome horas delante del ordenador para escribir como quiero convertir mis letras en imágenes, guionizando todo, pensando los planos, pensando los estilismos, las luces, el atrezo, mismo los efectos si los hay; referenciarlo todo de la mejor manera que puedo, y de ahí…¡a trabajar!

Plasmar, corregir, ceñirse lo mejor posible nuestras posibilidades…es muy fácil pensar en una superproducción, pero es preciso tener los pies en la tierra y saber cuáles son nuestros límites.

Y, por supuesto, sin Irene Paz y Gabi Yoldi (maquillaje), Andrés Hermelo, Yago Kobain y Victor Osado (cámaras), este proyecto no estaría a la altura de conseguir la calidad que tienen los videoclips, cada persona ponen su ladrillo para construir esto».

 

 

 

 

 

Javier Otero Neira

Lunes, 8 de junio

«TENÍA, Y SIGO TENIENDO, LA NECESIDAD DE CREAR LO QUE TOCO» 

Solo es un ejemplo, pero en 2017, la prestigiosa Deustche Grammophone publicaba Endless (2017) de Tale Of Us, un dúo de DJs que hace música electrónica pop. ¿En qué momento crees que se encuentra la música clásica (entendiendo por ella no solo los propios intérpretes sino los festivales, las discográficas…)? ¿Piensas que cada vez se está abriendo más a otros estilos como el jazz, el pop, la música electrónica…?

Javier: «El mundo de la ‘música clásica’ lleva en crisis muchos años, sobre todo en lo que respecta al público; en parte por culpa de los propios intérpretes, que en mayor o menor medida, establecen una distancia con el público que, al final, no hace que conecte con el público joven. En mi opinión, etiquetar la música no tiene sentido, porque al final se cierra la puerta a muchas cosas buenas. Yo hago mi música con electrónica, tengo un dúo con Abe Rábade en el que improvisamos y tocamos a dos pianos diferentes músicas y, en el último disco de Guadi Galego, colaboré en el arreglo de dos temas. Y no por eso toco peor Chopin o Beethoven, aunque alguno lo piensa. La música es música, igual que la pintura; no hay que entender en profundidad la clásica, yo mismo voy a conciertos que no me gustan… y preferiría estar escuchando la Vetusta Morla».

 

 

 

 

 

Xan Campos Trío

Lunes, 15 de junio

«INTENTO NO PONERLE LÍMITES ESTILÍSTICOS A MI MÚSICA» 

Vuestro último single-clip, ‘Espello de Auga’, se presenta como una canción- palíndromo —se escucha exactamente igual de principio a fin que a la inversa— y viene acompañada por un vídeo que sigue el mismo concepto. ¿Cómo se construye esta idea… reversible?

Xan Campos: «Con la idea de invertir los instrumentos llevo experimentando ya bastantes años. En nuestro disco Ectropía ya teníamos un tema grabado al revés llamado ‘Entropía’ (el concepto contrario a la ectropía). Otra cosa que hice en estos últimos años fue darle la vuelta a los estándar del jazz: coger los temas, escribirlos del revés (de atrás para adelante) y tocarlos buscando que, al darles la vuelta, sonaran parecido a la versión original, no solo los acordes y la melodía sino también a estructura, las dinámicas, el desarrollo de los solos... La verdad es que hace falta romperse bastante la cabeza y hacer muchas pruebas para ir perfeccionando la técnica y anticipar cómo va a sonar lo que estás componiendo o tocando cuando le des la vuelta.

En Realismo usamos en varios temas el recurso de darle la vuelta a ciertos elementos para crear sonoridades nuevas y especiales pero, sin duda, donde le sacamos más partido a la idea de invertir los sonidos es en el tema ‘Espello de Auga’, que es casi una pequeña obra de ingeniería musical. El tema se compone de dos secciones simétricas entre sí, en las que superponemos elementos tocados del derecho y del revés; en la mitad del tema hay una especie de espejo y todo lo que sonó hasta ese momento se da la vuelta y comienza a sonar para atrás. De esa forma, si inviertes la pista de audio va a sonar exactamente el mismo que escuchándola de forma normal».

 

 

 

 

Baiuca

Lunes, 22 de junio

«CADA VEZ SE TIENE MENOS MIEDO A MEZCLAR ESTILOS DE TODO TIPO CON LA MÚSICA TRADICIONAL»

En 1978, el grupo Son Lalín hizo una versión pop con bajo, batería y acompañamiento electrónico de la ‘Muiñeira de Chantada’ que vendió más de cinco millones de discos, un primer intento de ese «diálogo entre la Galicia de anteayer y la de pasado mañana». ¿Qué te parece esa versión? ¿En qué momento crees que se encuentra la música tradicional gallega? ¿Estamos ante un resurgimiento? ¿Piensas que se está abriendo la otros estilos?

Baiuca: «Entiendo que en en esa época que un tema como la ‘Muiñeira de Chantada’ se pinchase en las discotecas de Ibiza fuese algo histórico, y seguramente sea el primer tema en enfocar nuestra música hacia el club. El problema es que este tipo de mezclas o de reinterpretaciones de la música tradicional, no solo de Galicia sino de la mayor parte del norte de la península, no son tan habituales como sí sucede en el sur con el flamenco. Yo en Solpor quería aportar mi versión de un clásico como es la ‘Muiñeira de Chantada’ para que se entendiese que, a pesar de ser un tema de los más famosos de nuestra tierra, aun hay margen para su evolución y la de nuestra música.

Por una parte, no creo que sea un momento excesivamente bueno para la música gallega en general; si pienso en la cantidad de propuestas musicales que había hace 10 o 15 años y lo comparo con el momento actual, pienso que cada vez hay menos variedad. Pero, por otra parte, creo que ahora mismo sí que hay propuestas que están destacando fuera de Galicia como es el caso de Sen Senra, Blanco Palamera ou Novedades Carminha que, por supuesto, ya son un grupo de referencia. Además, están empezando a aparecer propuestas muy interesantes que están aportando frescura a nuestro panorama, cada vez se tiene menos miedo a mezclar estilos de todo tipo con música tradicional; también propuestas enfocadas al pop que emplean el gallego y eso creo que es una línea que debería de continuar, como es el caso de Boyanka Kostova, Verto u Ortiga.

Sin olvidar la renovación de la música tradicional, donde los grandes grupos de folk de décadas pasadas y los y las grandes gaiteiras están dejando paso a proyectos como Tanxugueiras, Xosé Lois Romero & Aliboria o CALDO».

 

 

 

 

María Mendoza

Lunes, 29 de junio

«LA MÚSICA CLÁSICA LLEVA MUCHAS DÉCADAS FLIRTEANDO CON LA MÚSICA ELECTRÓNICA»

 

Dices que cada una de las 16 piezas que componen Cronos tiene su reflejo en su espejo, que buscan el equilibrio girando sobre dos ejes: izquierda-derecha y arriba-abajo. ¿De qué manera se relacionan estas dos ideas entre sí? ¿Cómo pasan estos conceptos abstractos al pentagrama?

María Mendoza: «Tenía claro desde el principio el concepto del disco, esa dualidad de Cronos como personificación griega del tiempo y de la cosecha, que me dio pie a crear las piezas de dos en dos, emparejadas, en vez de en bloques como nos discos anteriores. Cada pareja tiene una relación distinta, que será el oyente lo que tendrá que descubrir, o venir a mis conciertos o leer el libreto del disco, en el que está explicado. ¡Voy a dejar el misterio en el aire!

El orden en el que aparecen los temas es un viaje que para mí no tiene sentido ordenados de otro modo. Desde el ‘Preludio’, que abre el disco, compuesto hace 18 años, hasta su reflejo en el espejo, que es el último tema, ‘Postludio’, también compuesto de aquella, que presento como una bajada al infierno. Antes de sacar el disco envié por WhatsApp el ‘Postludio’ a uno de mis mejores amigos, y me contestó: ‘Creo que tengo el móvil estropeado, porque se escucha rarísimo’. Su móvil no estaba estropeado, es que no creo que todo el mundo entienda la última pieza».

 

 

 

 ℹ️ El segundo semestre, de julio a diciembre, se publicará el próximo lunes, 4 de enero... ¡de 2021!

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